おっちゃんのスタジオ用語（は行〜わ行）

おっちゃんが参加した録音の様子をご紹介している「おっちゃんの仕事場探検」などの中で分からない用語があったら、以下をスクロールしていただくか、トップページにある目次の中から気になる用語をクリックしてみてください。一応、おっちゃんにはできるだけ分かりやすく解説してもらったつもりですが、それでも分かりにくい場合や他に知りたい用語などありましたら「メール」「Web Clap」などにてお気軽にご連絡ください♪

コンサートや催し物の会場など、マイクやスピーカーを使うところで「キ〜〜〜ン」というすごいノイズを経験されたことのある方は少なくないと思いますが、あれがハウリングです。

何故そういう現象が起きるかというと、スピーカーから出た音が、またマイクに入ってしまうということがときどき起こるのですが、そうすると、その音が増幅されてまたマイクに入って…という無限ループみたいになって、ああいう音になってしまうのです。

これだけ技術が進歩した時代になっても、このハウリングだけはなかなか回避できないようで、スタジオでもしばしばハウリングは起こります。スタジオの場合は、スピーカーよりも、プレイヤーが使っているイヤホンやヘッドフォーンから漏れた音がマイクに回り込んで、ハウリングになることが多いようです。素人の考えでは、ほんの少し手間とお金をかければ「ハウリング防止回路」のようなものは、すぐにでも出来そうに思うのですが、なかなか改善されないのは不思議です。

エジソンが初めて録音したのは蝋管だったと思いますが、テープレコーダーが発明されて以来、磁気テープに録音する時代はかなり長く続きました。それが今や（２００３年現在）プロのスタジオの現場では、ハードディスク録音に取って変わられようとしています。

ビデオの録画がハードディスクやＤＶＤになりつつあるわけですから、録音がそうなっても不思議はないのですが、録音いえばテープというイメージが染みついていたものですから、何となく意外な感じがしています。ハードディスク録音のメリットは、編集がより高度にできる、頭出しが瞬時にできる…などでしょうか。デメリットとしては、ハードもソフトも高価、トラぶるとデータを一瞬で失う可能性がある…などでしょう。

正しくは（？）日本薄謝協会です。今はそうでもないのですが、昔はＮＨＫのギャラが他の民間の放送局やレコード会社に比べて安かったので、「Nihon Hakusha Kyoukai」などとふざけて云っていたのが定着した様です。でも、最近のミュージシャンは、あまり使わないみたいですね。

正しくは（？）日本薄謝協会です。今はそうでもないのですが、昔はＮＨＫのギャラが他の民間の放送局やレコード会社に比べて安かったので、「Nihon Hakusha Kyoukai」などとふざけて言っていたのが定着した様です。でも、最近のミュージシャンは、あまり使わないみたいですね。

また、古いミュージシャンは、ＮＨＫのことを「ヤマ」とも言ってました。これは、その昔ＮＨＫ放送局が「愛宕山」にあったことから来ているようですが、最近ではほとんど通じないと思います。

主にテレビスタジオやステージだと思いますが、立ち位置や譜面台の位置などを決めると、そこに小さく切ったビニールテープを十文字に貼るのですが、そのテープを貼ることを、バミる（ラ行５段活用動詞？）と言っているようです。

語源などは分かりません。「場見る」とかから来ているのではないのかと勝手に想像していますが、実際はどうなのでしょうか。思ったより古くから使われているようですので、元はお芝居の関係だったのかも知れませんね。「位置が決まったらバミっといてね〜」といった感じで言っているようです。

いったん録音したものを何らかの理由で直すことが必要になった場合に、あるパートだけを差し替えることがあります。このときの手順としては、スタジオのアシスタントさんが直しの必要な箇所の数小節前からプレイバックして、その問題の場所の直前で録音ボタンを押し、新たな演奏分を重ねることになります。この録音ボタンを押すことを「パンチイン」といい、録音ボタンを解除することを「パンチアウト」といいます。

ところで、このボタンを押したり解除したりするタイミングがけっこう微妙で、難しいのです。早すぎても遅すぎても、せっかく録音したものを消してしまうことになりますからね。ミュージシャンの、どの部分を差し替えたい…というのを瞬時に理解して、適切なところからプレイバックし、更にこのパンチインやパンチアウトがちゃんとできないと、スタジオの進行がうまくいきません。

アシスタントさんは、そのためには、ある程度は楽譜が理解できる必要がありますし、絶妙のタイミングでボタンを操作するには、リズム感も良くないとできないと思います。この一連の作業は、スタジオのアシスタントさんのウデの見せどころですね。

コンサート会場などに、聴衆の方に向けて設置しているスピーカーのことを「ピーエー」と言います。それに対して、同じスピーカーでも、演奏者が自分達の音を聴くために置いてあるスピーカーは「モニター」と言っています。ＰＡは「ｐａｂｌｉｃ ａｄｄｒｅｓｓ」の略です

映画やドラマなどの劇伴音楽を作曲する場合に、実際に映像を見ながら、その場面の長さや雰囲気にピッタリと合わせて作曲することを言います。

一見、当たり前のようなことなのですが、最近の劇伴はほとんどが溜め録り方式になっていて、このフィルムスコアリングが行われているのは単発の特別番組だけというのが実状です（例外的に、毎回フィルムスコアリングで録っているのは、２００５年９月まで日テレ系列で火曜日の夜に放映されていた‘火曜サスペンス劇場‘で、とても貴重な存在だったのですが、ついに終わってしまって残念な限りです）。そのために、劇伴がドラマの劇的な表現を助ける…ということがほとんどなくなってしまって、単なるＢＧＭにに成り下がってしまった感があるのは、とても残念なことです。

最近ではスタジオでフィルムを映写することは滅多になくて、ほとんどがビデオやコンピュータのデータの映像でしょうか。

スタジオ用語というわけではありませんが、よく使われます。フェイク（ｆａｋｅ）とは、辞書によると「ごまかし」「いんちき」などネガティブな意味があるようですが、俗語表現として「見かけよくこさえあげる」というのもあって、この場合はこれに近いと思います。

ジャズやポップスで特にソロの場合は、楽譜通りに演奏したのでは全くサマにならないことが多いですし、楽譜も適度なフェイクを前提として書かれていることの方が多いと思います。そういうのが得意でないプレイヤーが来ると分かっている場合は、アレンジャーがそれらしく書いてしまうこともあります。でも、普通はあまり細部に渡って楽譜に書かない方が、やりやすいものです。

かつてはボリュームやその他の調整は、丸いつまみを回すことで行われていたのですが、ある時期から、それを上下にスライドさせる形へと変わってきました。この上下式の利点は、ボリュームや音質などの状態が視覚的にとらえられる点で、丸いつまみは急速に姿を消していきました。フェ−ダーと云うのは、この上下スライド式のスイッチ（？）のことなのです。

もともとは画面を徐々に暗くしていって、ついには完全に暗黒に到るという、映画の手法だったと思われます。録音スタジオでフェードアウトという場合は、エンディングを音楽的にはっきり決めるのではなくて、徐々にボリュームを絞りこんでいくという手法です。
　
よくあるのは、８小節・６小節という決まったパターンを繰り返すうちに、だんだんと絞り込んでいくという方法です。演奏側としては特に意識しないでやっている内に、機械的に絞り込んでいくことが多いです。

上記のフェードアウトの逆で、完全に絞り込んだ状態から、徐々にフェーダーを上げていくことをいうのですが、「ｆａｄｅ」という単語の元の意味（衰える・しぼむなど）から考えると奇妙な感じもしますね。でも、国内の現場ではよく使われています。

同じような意味で、スネークインと言われることも多いです。蛇のように、す〜っと入っていく…というような連想から言っているのではないかと思います。

スタジオは、大きく２つの部分に分かれます。１つは、演技や演奏などをするスペースで、もう１つは音を調整やバランスを取ったりする部屋です。その、音の調整などをする部屋のことを「副調室」と言っています。多分、副調整室の略だと思うのですが、なぜ「副」なのかは分かりません、昔からそう呼ばれているようです。

で、これら２つのスペースは、大きなガラス（音が漏れないように２重になっている）で隔てられているところから、「金魚鉢」などと呼ぶようになったみたいです。最近ではコントロールルームと言う方が多いかも知れません。

委託版ＣＤのことです。別項「 委託版ＣＤ」の欄を参照してください。

ブラスとは「ｂｒａｓｓ」というスペルで本来の意味は「真鍮」ですが、音楽関係では「ｂｒａｓｓ　ｉｎｓｔｒｕｍｅｎｔ」＝「金管楽器」のことを指します。まあ、必ずしも真鍮製とは限らないのですが、金属製のフルートも「木管楽器」と呼ぶのと同じようなものでしょう。ですから、普通はブラス…つまり金管楽器と言えば、トランペット・トロンボーン・ホルン・チューバを指すのですが、スタジオ関係でブラスというと、トランペットとトロンボーン、それにチューバ（もし編成に入っていれば）を指すことが多く、なぜかホルンは別になっています。

ジャズバンドなんかで「ブラス」というとトランペットとトロンボーンなので、その辺りから来ているのか、あるいは録音する際のブースの都合などでホルンが別になっているからなのかもしれません。「ブラスセクション」「ブラス隊」などとも言います。

プリプロダクション（Ｐｒｅ−ｐｒｏｄｕｃｔｉｏｎ）の略です。映画などの制作においては撮影前の作業すべてを指すようですが、ＣＭなどの録音現場では本番の録音に先立って作曲家やアレンジャーがスポンサーやディレクターに聴いてもらうために作った仮のものをいうようです。

プリプレの作り方はケースバイケースで、完成品に近いものを作ることもあれば、ピアノやギターに歌が入っただけ…みたいなものもあります。最近は、作曲家さんご自身がシンセなどで打ち込んで作ったものを使うことが多いようですが、昔はそのプリプロのために、ちゃんとミュージシャンを集めて録音することもありました。もちろん、本番通りとまではいきませんが、それでもかなり本格的だったんですよ。で、この「プリプロ」のことを、昔は「オーディション」と言っていました。

歌を１曲まるごと…ということでしょうか。この場合の「コーラス」とは、別項「サビ」にもありますが、歌の１番とか２番の「番」に当たり、フル編成のオケの項にある「コーラス」とは意味合いが違います。フルコーラスということは、その全曲ということになります。

「テレビサイズ」を参照してください。

�@特にスタジオ用語というわけではありません。演奏旅行等の場合、当日に出発しても時間的には間に合うのに、あえて前の日から現地に入ることをいいます。主催者側で前乗りのスケジュールを組むこともありますが、個人的な希望で前乗りすることもあります。この場合は、その分は個人負担になるのですが、うまくすると出してもらえることもあります。

�Aダビングをするときなど、人によっては、全体的に少しずつ元のリズムよりも遅れる人がいます。そういう場合に、「すみません、もう少し‘前乗り’でお願いします」などと言います。

オーケストラの場合などは、パートによっては、１０ｍ以上も離れていることがあって、聴こえてくる音に何分の１秒かの遅れが生じてくるので、そのまま合わせたのでは、その分だけ遅れてしまいます。そのため、無意識的・経験的・習慣的に、この前乗りをやっているはずです。また、逆に言えば、この距離による微妙なズレが、オーケストラの音色の味として表れている…と言えなくもないですね。

極端な前乗りを強いられたのは、スタジオでイヤフォンやヘッドフォンを使うようになる前で、これはかなり辛いものがありました。

最近でこそほとんどがステレオになっていますが、初期の録音は全てモノラルでした。２０年くらい前からでしょうか…各々のパートごとに録音できるようになったのは。それを「マルチ録音」と言っています。場合によりますが、３２チャンネルや６４チャンネル、あるいはそれ以上の多チャンネルのこともあります。

単に「マルチ」といっても意味をなさないのですが、スタジオでマルチという場合は、↑の「マルチ録音」を指す場合と、そのマルチ録音に使うテープ、もしくは最近だとハードディスクを指すことがあります。最近では少なくなりましたが、「今日はマルチが回ってないから、差し替えは出来ないよ〜」などと言います。

ある楽器のマイクに他の楽器の音が入ってしまうことを言います。この「回り込み」が起きやすいのは、フルート等の音の小さい楽器の近くに、ブラスや打楽器など、大きな音のする楽器がいる場合で、本来はフルートの音を録るべきマイクに、他の楽器の音の方が大きく入ってしまうということがあるのです。

気にならない範囲ならいいのですが、本来のマイクでなくて他のマイクから入った音は音がクリアでないので、特にエンジニアさんはこの回り込みには神経質になるようです。スタジオで衝立やブースが多いのは、この回り込みを避けるためです。ライブ録音の場合など、どうしても避けきれないこともあるのですが、それはそれで、かえってライブらしいサウンドになるということもと云う事も言えるかも…です。

また、回り込みのもう１つのケースは、クリック音の回り込みです。これは、プレイヤーが使っているヘッドフォンやイヤホンから漏れたクリック音が、マイクに入ってしまうということです。このクリック音は絶対に聞こえてはいけない音なので、エンジニアさんたちは、このクリックの回り込みにはとても気を遣っているようです。

最近は、作曲家さんやアレンジャーさん、あるいは会社やグループのスタジオで、普通のマンションの一室を使ってスタジオにしたものが多くなってきましたが、そういう小さいスタジオを「マンションスタジオ」などということがあります。

打ち込みやトラックダウンなどに使われることがメインだと思いますが、小さなブースを備えているところもあって、そういうところに呼ばれて行くこともあります。たいていは初めて行くところなので、事前にファックスで地図などを送ってもらったりしています。このマンションスタジオについては、別項「プライベートスタジオ」も参考にしてください。

今は「エンジニアさん」と呼ばれることが多いのですが、それまではずっと「ミキサーさん」と呼ばれてました。「ミキサー」というと、どうも料理で使うあの機械を連想してしまいますが、実はそうでもないみたいですね。ここでいうミキサーは古い辞書には載っていないので、英語としても比較的あたらしい言葉なのだと思います。料理で使うあれをミキサーというのは和製英語で、本当は「blender」とか「liquidizer」とか言うらしいです。

ただ、和製英語にせよ、日本で使われている「ミキサー（料理の素材をかき混ぜる）」と「色んな楽器の音を混ぜ合わせる」というような連想から、言い始められたのではないでしょうか。詳しくは「エンジニア（ミキサー）」も参考にしてください。

特にスタジオ用語というわけではありません。ここ数年、「中国の笛」「中国的な笛」というオーダーがよくあるのですが、そのほとんどの場合をこの「明笛」で対応しています。明笛は「みんてき」と読むのですが、この「明」は「明国」の「明」です。ちょっと調べてみると、「清笛（しんてき）」「南京横笛」などとも言っていたようです。清笛の「清」は、もちろん清国のことです。時代が違うだけで、実際は同じ楽器を指しているようですね。ただし、これらは全て日本での呼び方で、中国語では「笛子」と言っているようです。発音は「二声」というものになるようで、あえてカタカナ表記をするとすれば「ディーズ（ｄｉ−ｚｉ）」となるようです。

さて、この明笛の特徴としては、歌口と指孔の中間くらいに共鳴孔があって、ここに貼った薄い膜が共鳴して、独特の音色を出す点です。本来は竹紙（ちくし）という、枝が出る前の新しい竹の節のところにある薄い膜を共鳴膜として使うらしいのですが、竹紙を入手するのは簡単ではないし、けっこう微妙で破れやすかったりもするので、私はスーパーにロール状にして置いてあるビニール袋で代用しています。

さらに詳しく知りたい方は、おっちゃんＨＰの「明笛」のページをどうぞ♪

「メロ」というのは「メロディ」のことなのですが、色んなケースが考えられると思います。

基本的には、既に録音されているものにメロディをダビングすることなのですが、歌の部分を楽器に差し替えるとか、既に入っている楽器を別の楽器に差し替えるとかでしょうか。もちろん、何らかの理由でメロディ抜きで録音したものにダビングする場合もあります。ほかには「メロ被せ」ということもあります。

あまり誉めたことではないのですが…というより、権利関係等の点でもかなり危ない話なのですが、何かの歌のアルバムの歌の部分を楽器に差し替えて、インストのアルバムとして発売する…というようなことも、ないわけではありません。

「直録り」を参照してください。

特にスタジオ用語というわけではありません。リコーダーは、学校で授業に使っている縦笛と基本的には同じ楽器で、ソプラノ・アルト・テナー・バスの４種類があります。ソプラノリコーダーの４度上…つまり、アルトリコーダーの１オクターブ上になる楽器に「ソプラニーノ」というものもあります。これは「小さなソプラノ」という意味で、ちょっと大きな楽器屋さんに行くと、簡単に買うことが出来ると思います。

ちなみに、バスリコーダーより４度低い楽器に「コントラバスリコーダー」もしくは「グレートベース」といわれる楽器もあるのですよ。さらに詳しく知りたい方は、こちらも参考にしてくださいね→リコーダー

テレビ番組なんかを見ていると、ときどきＶＴＲの再生直前に「�B　�A　�@.…」という数字が出ることがあります。最近のバラエティ番組では、あえてあの部分から見せているようですが、本来あれは画面に出てはいけない部分なのです。で、実はあれが「リーダー」なのです。

今はビデオですが、フィルム時代はいきなり番組が始まるのではなくて、何も写ってないある程度の余白の部分があって、それから、その「�B　�A　�@.…」と番号が出て、本篇が始まるようになっていました。本篇のフィルムを保護する意味と、映写する時の目印だったのでは…と思います。このリーダーは、ダビングする時などにも役に立ちます。

特に「スタジオ用語」というわけではありません。リハーサルをする場合などで少し長めの曲になると、途中から始めたい時があります。そういった時に「最初から６５小節目」などと言っていたのでは効率が悪いので、普通は１６小節くらいずつ区切って、「１」「２」「３」とか「Ａ」「Ｂ」「Ｃ」等と標識が付けてあって、普通それを練習番号（アルファベットでも‘番号’というのは妙なものですが）と言っています。

それとは別に、小節ごとに番号が振ってある場合もあって、これは文字通り「小節番号」と言っています。この小節番号があると、指揮者が指示を出したり、ミュージシャンが質問をしたり、または差し替えをする時なんかでも「Ａの２つ前」とか「Ｂの３小節目」とかいう風に言えるので、とても便利なのです。

スタジオやステージ関係で、楽器や機材の運搬を担当する人のことで、昔は「ボーヤ」などと言っていましたが、最近はこのローディーが一般的です。

ドラムなどように楽器が大きい、あるいは楽器の種類が多いプレイヤーは、ミュージシャン志望の若者をローディーとして連れていることが多いのですが、そういう師弟関係ではなくて、専門職のローディーもいます。楽器を安全に運んでセッティングしたり、バラしたりなど、かなり熟練を要する仕事なので、誰でも簡単に出来るものではありません。昔はローディー出身のミュージシャンがけっこういたのですが、最近はそういうケースは稀になってきたように思います。

最近はあまり使いませんが、「今日は５ロール録りま〜す！」とか「これＯＫです。次のロールに行きます〜！」などという風に使います。我々のサイドからは「曲」と同じよう感じ…つまり、１ロール・２ロール…を、１曲・２曲…という風に捉えているのですが、もともとは映画の方から来た言葉だと思います。

…というのも、ダビングするために、フィルムをシーンごとに切ってリールに巻いたものを用意していたと思うのですが、そのそれぞれをロールと言っていたのでしょう。それが、何となく映画を離れても、ロールという言葉だけが残ってしまったんでしょうね。古い人などは今でも「今日はロール数が多いから大変だよ〜」なんて言ってることがあるようです。

特にスタジオ用語というわけではありません。 文字通り、「和」…日本の楽器なのですが、尺八・三味線・琴・鼓などを総称して、和楽器と言ってます。

昔は、和楽器の人は楽譜に弱いという方が多かったので、「今日は和楽器が入るから、時間がかかるよ〜」などと言ったりしてました。 でも、今は全くそんなことはないですね。いまスタジオに来られてる和楽器の方は、どなたもとても５線譜に強い方ばかりです。

和大鼓・鼓・大川・チャンチキなんかの類も、打楽器とは言わずに、和楽器として別扱いすることが多いように思います。

編成の大小にかかわらず、１本のマイクだけで録ることなのですが、初期の頃の録音はほとんどがこのワンポイントで録っていたので、ワンポイント録音なんていう言葉そのものがなかったのです。でも、最近はほとんどやってないと思われますね。

そのころのミキサーさんのワザとしては、楽器を如何に配置するか…要するに、音の小さな楽器をマイクの近くに、音の大きな楽器は遠くに…ということなのですが、その塩梅がなかなか微妙なものだったようです。

今でもコンサート会場の録音なんかは天井から吊したマイクで録っていることがありますが、あれなんかはワンポイント録音に近いでしょうね。下手にマイクをいっぱい立てたのより、ワンポイントマイクで録ったものの方がずっと良かったというケースも、よくあります。いくらマイクをたくさん立てても、バランスのとり方が悪かったら何にもならない…ということですね。